Świat według praw piękna. Edukacja estetyczna. Problem palący i odwieczny. „Piękno to celowość przedmiotu bez pojęcia o celu”

Tatiana Galiańska

Zgodnie z prawami Piękna i Harmonii

„Bądź zdumiony pięknem,

a piękno zakwitnie w twoim sercu”

Wasilij Suchomliński

17 listopada 2017 r. w Muzeum Historii Edukacji Publicznej miasta Miass w obwodzie czelabińskim w MAOU „MSOSH nr 20” otwarto wystawę fotografii i florystyki artystki Miass Walentiny Michajłownej Bobylewej.

Wystawa odbywa się pod hasłem „Ziemia naszym wspólnym domem” i jest poświęcona Rokowi Ekologii w Rosji i Urodzinom miasta Miass. I to się nazywa„Piękno naszej ojczyzny”. I rzeczywiście, Piękna sama weszła w przestrzeń naszego muzeum z tą wspaniałą wystawą, z każdym ze swoich dzieł i opowiedziała publiczności o tym, co najskrytsze.

Kontynuowaliśmy temat piękna ojczyzna i dzieci w wieku szkolnym. Wystawę otworzyła piosenka szkolnego zespołu „Forget-Me-Nots” pod dyrekcją Yu.V. Klyavlina.

Następnie goście rozmawiali z uczniami klasy IV. Nadieżda Piastołowa wykonała kilka własnych piosenek, opowiadały o miłości, wierze i nadziei oraz mądrości. Jedna z pieśni była poświęcona naszemu miastu, co zainspirowało autora do napisania takich, pełnych poezji wersów:

„Gwiazdy nad Miass cicho szepczą bajki.

Czas ukryty w głębinach jezior.

Po zakończeniu brzmienia wczoraj przechodzi w wieczność.

Poranek nad Miass to miejsce na marzenia.

Uroda rodzinne miasto, nie blaknący zarówno pod gwiazdami nocy, jak i w godzinach porannych, otworzył się na nowe oblicza. Piosenka przemawiała do najbardziej niesamowitej rzeczy w nas – poczucia piękna. Przypominała wszystkim o kruchości i niepewności piękna.

Jedną z pereł naszego regionu jest Jezioro Turgoyak. Fotograficzne krajobrazy Turgoyaka autorstwa Valentiny Bobylevy pomogły widzom odkryć jezioro w niepowtarzalnych kolorach i obrazach. A nauczyciel szkolny T.V. Galyanskaya pokazała pierwszy numer gazety wydawanej w 2001 roku przez Publiczną Fundację Dobroczynności „Jezioro Turgoyak”, z którą współpracowała w tych latach. Gazeta poświęcona była ochronie wyjątkowego jeziora, pomnika przyrody i potężnego źródła siły fizycznej i duchowej. Poruszała zagadnienia ekologii w najszerszym tego słowa znaczeniu: ekologii przyrody, ekologii środowiska i ekologii duszy. Muzeum przekazano jeden z numerów gazety „Turgoyak”.

„Piękno istnieje niezależnie od naszej świadomości i woli, ale jest odkrywane przez człowieka, rozumiane przez niego, żyje w jego duszy”- tak powiedział Wasilij Suchomlinski, który także nauczył swoich uczniów odczuwać piękno swojej ojczyzny. Ta wspaniała nauczycielka doskonale rozumiała, że bez poczucia piękna, bez świadomości, że piękno należy nie tylko podziwiać, ale także je chronić, nie można wychować prawdziwego człowieka.

W tym samym duchu Valentina Mikhailovna Bobyleva, autorka nie mniej wspaniałych dzieł, podzieliła się swoimi przemyśleniami na temat znaczenia kreatywności i edukacji piękna. Swoim życiem i pracą potwierdza prawa piękna:

Ten, kto tworzy piękno, sam jest nim wypełniony;

Miłość do piękna czyni cuda;

Piękno jest dla duszy jak woda dla kwiatu;

Piękno rozświetla serca;

Osoba, która nauczyła się cieszyć pięknem natury, staje się szczęśliwsza i milsza.

Uczniowie klasy V udekorowali uroczyste spotkanie wspaniałymi wierszami o przyrodzie autorstwa Eleny Ponkratowej. Sami odczuwali i przekazywali w języku poetyckim zasady życia, podobne do przymierza:

„Naucz innych śmiać się,

Nie poddawaj się i marz

Podziwiaj piękno

Rozdawać ludziom szczęście.”

Na zakończenie twórczego spotkania Valentina Bobyleva przeprowadziła dla wszystkich obecnych klasę mistrzowską. Mój główne zadanie Walentyna Michajłowna widzi w tym przekazanie dzieciom impulsu wzniosłego stosunku do natury, zainteresowanie ich tworzeniem dzieł twórczych z naturalny materiał. Te chwile, kiedy dzięki kunsztowi artystki na naszych oczach dokonuje się cud narodzin piękna, a potem wśród jej uczniów, a były to dzieci, delikatne płatki kwiatów zaczęły układać się w harmonijne wzory, to najcenniejszy sakrament twórczości ducha ludzkiego.

W skupieniu, w ciszy własnego serca, unikalne obrazy piękno dane przez naturę. Ta akcja zawiera w sobie ogromną wartość edukacyjna. Kreatywność, godziny żmudnej pracy i palenia, latanie w poszukiwaniu pięknych kombinacji i form, artystyczne obrazy, wyrażanie własnych, niestandardowych myśli, z czasem mogą zmienić człowieka. To płomień energii, które w nim zapalają się i ogromne napięcie, które zmienia, odnawia i uszlachetnia twórcę. A co najważniejsze - kreatywna osoba twórca piękna, sam zaczyna żyć zgodnie z prawami piękna i harmonii.

Kto nie zaznał radości tworzenia, nie zna prawdziwego szczęścia!

* * *

Przed opuszczeniem muzeum wszyscy obecni po raz kolejny podziwiali piękne fotograficzne krajobrazy: zachody słońca nad jeziorem Turgoyak, góry i inne widoki natury naszego regionu, dzieła kwiatowe i dzielili się swoimi wrażeniami.

Świat według praw piękna

W tym miejscu należy przede wszystkim podkreślić, że percepcja, w wyniku której powstaje poczucie piękna, jest aktem twórczym. W każdym zjawisku trzeba odkryć piękno, a w wielu przypadkach nie ujawnia się ono od razu, nie przy pierwszej kontemplacji. Odkrywanie piękna w wytworach natury jest zjawiskiem wtórnym w stosunku do ludzkiej twórczości. „Aby człowiek mógł dostrzec piękno w polu słuchowym lub wzrokowym, musi nauczyć się tworzyć siebie” – argumentował A.V. Łunaczarski. Nie oznacza to oczywiście, że tylko kompozytorzy cieszą się muzyką, a malarstwo profesjonalni artyści. Ale osoba, która nie jest wcale kreatywna, z nierozwiniętą nadświadomością, pozostanie głucha na piękno otaczającego ją świata. Aby dostrzec piękno, musi być obdarzony odpowiednio silnymi potrzebami poznania, wyposażenia (kompetencji) i oszczędności energii. Musi gromadzić w podświadomości standardy tego, co harmonijne, celowe i ekonomicznie zorganizowane, aby nadświadomy umysł odkrył w przedmiocie odchylenie od normy w kierunku przekroczenia tej normy.

Innymi słowy, człowiek odkrywa piękno w zjawiskach naturalnych, postrzegając je jako wytwory Natury. Najczęściej nieświadomie przenosi własne kryteria na zjawiska naturalne. kreatywność, jego działalność twórcza. W zależności od światopoglądu ta osoba jako taki „stwórca” mają na myśli albo obiektywny przebieg ewolucji, proces samorozwoju przyrody, albo Boga jako stwórcę wszystkich rzeczy. W każdym razie świadomość człowieka nie tyle odzwierciedla piękno, które początkowo istnieje w otaczającym go świecie, ale raczej rzutuje na ten świat obiektywne prawa jego twórczej działalności - prawa piękna.

Zwierzęta posiadają emocje pozytywne i negatywne, stanowiące wewnętrzne wytyczne postępowania w kierunku tego, co pożyteczne, lub eliminacji tego, co szkodliwe dla ich życia. Nie będąc jednak obdarzeni świadomością i wywodzącą się z niej podświadomością i nadświadomością, nie posiadają tych specyficznych pozytywnych emocji, które kojarzymy z działaniem twórczej intuicji, z doświadczaniem piękna. Dzieci poniżej pewnego wieku również nie mają tego rodzaju poczucia przyjemności. Stąd potrzeba edukacja estetyczna i edukacja estetyczna jako organiczna część opanowywania kultury i kształtowania bogatej duchowo osobowości.

Edukacja zakłada sumę wiedzy na temat przedmiotu percepcji estetycznej. Osobie zupełnie niezaznajomionej z muzyką symfoniczną raczej nie spodobają się złożone dzieła symfoniczne. Ponieważ jednak w percepcji estetycznej zaangażowane są mechanizmy podświadomości i nadświadomości, nie można ograniczyć się jedynie do edukacji, czyli przyswajania wiedzy. Wiedzę należy uzupełnić edukacją estetyczną, rozwojem wrodzonych potrzeb każdego z nas w zakresie wiedzy, kompetencji i oszczędności energii. Jednoczesne zaspokojenie tych potrzeb może generować przyjemność estetyczną z kontemplacji piękna.

Główną formą rozwoju nadświadomości w pierwszych latach życia jest zabawa, która wymaga od dziecka fantazji, wyobraźni, codziennych twórczych odkryć w rozumieniu otaczającego go świata. Bezinteresowność zabawy, jej względna wolność od zaspokajania jakichkolwiek potrzeb pragmatyczny lub prestiżowy społecznie porządek przyczynia się do tego, że potrzeba zbrojenia zajęła dominujące miejsce.

Tutaj jesteśmy bardzo blisko odpowiedzi na pytanie, dlaczego rzecz nieprzydatna utylitarnie, fałszywa teoria naukowa, niemoralny czyn czy błędny ruch sportowca nie może być piękna. Faktem jest, że nadświadomość, tak niezbędna do odkrycia piękna, zawsze działa na rzecz dominującej potrzeby, która stale dominuje w strukturze potrzeb danej jednostki.

W nauce celem wiedzy jest prawda obiektywna, celem sztuki jest prawda, a celem zachowań podyktowanych potrzebą społeczną „dla innych” jest dobro. Wyrażenie w strukturze motywów danej jednostki idealnej potrzeby poznania i altruistycznej potrzeby „dla innych” nazywamy duchowością (z naciskiem na poznanie) i szczerością (z naciskiem na altruizm). Potrzeby bezpośrednio zaspokajane przez piękno okazują się nierozerwalnie związane z dominującą motywacją, która początkowo zapoczątkowała działanie nadświadomości. W efekcie „czyste piękno” – w terminologii Kanta – komplikuje „piękno towarzyszące”. Na przykład piękno w człowieku staje się „symbolem dobra moralnego”, gdyż prawda i dobro łączą się w pięknie (Hegel).

To mechanizm działania nadświadomości, „pracującej” na dominującą potrzebę, wyjaśnia nam, dlaczego piękno „wolne od wszelkich zainteresowań” jest tak ściśle związane z poszukiwaniem prawdy i prawdy. „Piękne kłamstwo” może istnieć przez jakiś czas, ale tylko dzięki swojej wiarygodności, udając prawdę.

A co z przypadkami, w których dominująca potrzeba, dla zaspokojenia której działa Nadświadomość, jest egoistyczna, aspołeczna lub nawet antyspołeczna? W końcu zło nie może być mniej pomysłowe niż dobro. Zły zamiar ma swoje genialne odkrycia i twórcze spostrzeżenia, a jednak „piękne nikczemność” jest niemożliwe, ponieważ narusza drugie prawo piękna, zgodnie z którym każdy powinien lubić piękno.

Pamiętajmy, że empatia nie jest bynajmniej bezpośrednim odwzorowaniem emocji przeżywanych przez drugą osobę. Wczuwamy się tylko wtedy, gdy dzielimy się przyczyną naszych doświadczeń. Nie będziemy cieszyć się ze zdrajcy, który podstępnie oszukał swoją ofiarę, i nie będziemy współczuć żalowi złoczyńcy z powodu nieudanej zbrodni.

Teoria emocji potrzebowo-informacyjnych odpowiada także kompleksowo na pytanie o ukazywanie w sztuce strasznych, brzydkich, obrzydliwych zjawisk życia. Potrzebą zaspokajaną przez sztukę jest potrzeba poznania prawdy i dobra. Emocje, jakie w tym przypadku się pojawiają, zależą od tego, na ile dzieło to zaspokoiło nasze potrzeby i od tego, jak doskonała jest jego forma. Dlatego dzieło prawdziwie artystyczne wywoła w nas pozytywne emocje, nawet jeśli opowiada o ciemniejszych stronach rzeczywistości. Twarz Piotra z „Połtawy” Puszkina jest straszna dla jego wrogów i piękna jak burza Boża dla autora „Połtawy”, a przez niego – dla czytelnika. Zatem podkreślmy jeszcze raz. Oceny typu „użyteczny – szkodliwy” przyczyniają się do zachowania przez ludzi egzystencji fizycznej w szerszym znaczeniu – jej zachowania status społeczny, wartości, które tworzy itp., a „bezużyteczne” piękno, będąc narzędziem kreatywności, stanowi czynnik rozwoju, doskonalenia i ruchu do przodu. Dążąc do przyjemności, jaką daje piękno, czyli zaspokojenia potrzeb wiedzy, kompetencji i oszczędności energii, człowiek formuje swoje dzieła według praw piękna i w tym działaniu sam staje się bardziej harmonijny, doskonalszy i bogatszy duchowo . Piękno, które z pewnością „wszystkim musi się podobać”, przybliża go do drugiego człowieka poprzez empatię dla piękna i raz po raz przypomina mu o istnieniu uniwersalnych wartości ludzkich.

Może dlatego „piękno zbawi świat” (F.M. Dostojewski).

I ostatnia rzecz. Czy piękno jest jedynym językiem nadświadomości? Najwyraźniej nie. W każdym razie znamy inny język nadświadomości, który nazywa się humor. Jeśli piękno potwierdza coś doskonalszego niż przeciętna norma, humor pomaga odsunąć na bok i pokonać przestarzałe i wyczerpane normy. To nie przypadek, że historia potoczyła się w taki sposób, że ludzkość wesoło rozstała się ze swoją przeszłością.

Znów trafiliśmy na piękny przedmiot: rzecz, pejzaż, akt ludzki. Dostrzegamy ich piękno i staramy się zwracać na nie uwagę innych. Ale dlaczego ten obiekt jest piękny? Nie da się tego wytłumaczyć słowami. Nadświadomość poinformowała nas o tym. W swoim własnym języku.

Paweł Wasiljewicz Simonow jest akademikiem, specjalistą w dziedzinie badania wyższej aktywności nerwowej. Wcześniej opublikowane: „Nauka i Życie” nr 4, 1989.

1 William z Ockham (1300-1349), „Doktor invincibilis” (niezwyciężony nauczyciel) – najwybitniejszy angielski filozof nominalista. Uważał, że Boga nie da się poznać poprzez myślenie i dostarczenie niezbitych dowodów na Jego istnienie. Trzeba po prostu wierzyć w Boga. Jeśli chodzi o filozofię i naukę, muszą one uwolnić się od nakazów teologii. Ockham i jego uczniowie wpłynęli na rozwój takich koncepcji naukowych i zasad mechaniki i astronomii, jak kopernikańska mechanika nieba, prawo bezwładności, pojęcie siły, prawo spadania, a także zastosowanie metody współrzędnych w geometrii . D: FentsSL, 1997.

rosyjski mądrość ludowa odzwierciedlił to w humorystycznym sloganie: „Po co kozie akordeon?”

Do tej pory mówiliśmy o funkcjach sztuki, która „powiela” środkami artystycznymi to, co na swój sposób robią inne sfery ludzkiej aktywności (nauka, filozofia, moralność, futurologia, pedagogika, media, hipnoza). Teraz porozmawiamy o zupełnie specyficznych funkcjach właściwych tylko sztuce - estetycznej i hedonistycznej.

Już w czasach starożytnych zdawano sobie sprawę ze znaczenia estetycznej funkcji sztuki. Indyjski poeta Kalidasa (około V w.) określił cztery cele sztuki: 1) wzbudzenie podziwu bogów; 2) tworzyć obrazy otaczającego świata i ludzi; 3) dostarczać dużej przyjemności za pomocą uczuć estetycznych (ras): komedii, miłości, współczucia, strachu, horroru; 4) służyć jako źródło przyjemności, radości, szczęścia i piękna. Indyjski naukowiec V. Bahadur wierzy: celem sztuki jest inspirowanie, oczyszczanie i uszlachetnianie człowieka, uczynienie go pięknym.

Funkcja estetyczna- niezastąpiona specyficzna zdolność sztuki. Funkcja ta objawia się na trzy sposoby.

1) Sztuka kształtuje gusta, zdolności i potrzeby artystyczne człowieka. W obliczu artystycznie cywilizowanej świadomości świat w każdym przejawie jawi się jako istotny estetycznie. Sama natura jawi się w oczach poety jako wartość estetyczna, wszechświat staje się poetycki, staje się sceną teatralną, galerią, dziełem artystycznym non finita (niedokończonym). Sztuka daje ludziom poczucie estetycznego bogactwa świata.

2) Sztuka orientuje wartości człowieka w świecie(buduje świadomość wartości, uczy patrzeć na życie przez pryzmat wyobrażeń). Bez orientacji na wartości człowiek jest w jeszcze gorszej sytuacji niż bez wizji: nie ma sposobu, aby zrozumieć, jak się do czegoś odnieść, nie da się zbudować hierarchii zjawisk w otaczającym świecie i określić priorytetów działania.

3) Sztuka budzi twórczego ducha jednostki, chęć i zdolność tworzenia zgodnie z prawami piękna. Sztuka budzi artystę w człowieku. Tu wcale nie chodzi o rozbudzanie pasji do amatorskiej działalności artystycznej, ale o działalność człowieka zgodną z wewnętrzną miarą każdego przedmiotu, czyli o panowanie nad światem według praw piękna. Wykonując nawet przedmioty czysto użytkowe (stół, żyrandol, samochód) człowiek dba o korzyści, wygodę i piękno. Zgodnie z prawami piękna wszystko, co produkuje człowiek, zostaje stworzone. I potrzebuje poczucia piękna. Einstein zauważył znaczenie sztuki dla życia duchowego i procesu twórczości naukowej: „Osobiście dzieła sztuki dają mi poczucie najwyższego szczęścia. Czerpię z nich taką duchową błogość, jak w każdej innej dziedzinie... Jeśli zapytacie, kto wzbudza we mnie teraz największe zainteresowanie, odpowiem: Dostojewski!.. Dostojewski daje mi więcej niż jakikolwiek myśliciel naukowy, więcej niż Gauss!”. Obudzić w człowieku twórcę, który chce i umie tworzyć zgodnie z prawami piękna – ten cel sztuki będzie wzrastał wraz z rozwojem społeczeństwa.

Funkcja estetyczna sztuki (pierwsza funkcja zasadnicza) zapewnia socjalizację jednostki, ją kształtuje działalność twórcza. Estetyczna funkcja sztuki przenika wszystkie inne funkcje sztuki i dostosowuje je do natury. twórczość artystyczna.

6.3. Styl artystyczny.

Dzieło sztuki jest materiałem wysoce zorganizowanym, posiadającym wewnętrzną stabilność i własne życie wewnętrzne. W pewnym momencie swojego tworzenia sama zaczyna kontrolować artystę, podpowiadając, w jakim kierunku „chce” się rozwijać. Można odnieść wrażenie, że na artystę wpływa nieznana irracjonalna siła. Tu dochodzimy do kolejnego aspektu twórczości artystycznej: dlaczego artysta pracuje tak, a nie inaczej, co nim steruje? Gdzie jest źródło tej mocy? Jak niezależny jest w swojej twórczości?

Odpowiedź na pierwsze pytanie jest bardzo prosta: dzieło sztuki powstaje jako stabilna, zorganizowana forma relacji wewnętrznych. Artystą kieruje się zatem poczuciem zgodności (niespójności) pomiędzy rzeczywistym dziełem a modelem relacji zawartym w jego duszy. Czyli bowiem, jak mówią, „artysta tworzy według praw piękna”, jeśli przez piękno rozumiemy miarę zgodności formy z treścią zawartą w tej formie (rozdz. 5.5), a ściślej artystą kieruje poczucie piękna, które ujawnia stopień rozbieżności pomiędzy tym, co jest, a tym, jak musi być. Skąd artysta wie Jak powinno być? Dlaczego, jak zauważył Picasso, „malarstwa metodą N można malować kilometrami, ale rzadko można zobaczyć młodego artystę pracującego na swój własny sposób”.

Wola artysty, zmierzająca do stworzenia dzieła sztuki, koncentruje się w tym, co tzw pomysł. Pomysł wyraża zmysłową podstawę dzieła i ma zmysłowy charakter. Idea to uczucie, które nadaje kierunek racjonalnej działalności artysty, które podpowiada mu, co i jak należy i można zrobić, a czego nie można zrobić w żadnych okolicznościach. Ujawnia to uniwersalny mechanizm kontrolowania ludzkiej działalności poprzez uczucia, za pośrednictwem których pośredniczy skumulowane doświadczenie (sekcja 4.4).

Pomysł jest wytworem światopoglądu artysty, zwielokrotnionym przez jego szkolenie zawodowe. Obydwa mają charakter społeczny, podlegają prawom rozwoju społecznego i przejawiają się w metodologia tworzenie dzieł sztuki, wspólnych dla środowiska artystycznego i noszących tę nazwę styl artystyczny lub po prostu, styl. Styl to stabilny etap rozwoju formy artystycznej, organizujący działania środowiska artystycznego i społeczności konsumentów sztuki, charakteryzujący się szeregiem stabilnych cech i cech metodologii twórczości artystycznej. Artysta w formie artystycznej utrwala nie tylko doświadczenie estetycznego poznania rzeczywistości, ale także doświadczenie poznania stylu. Styl w dużej mierze determinuje ideologiczne podstawy formy artystycznej.

Metodologia jest zwykle rozumiana jako zespół technik i metod uzyskiwania wiedza naukowa. Termin ten ma szerokie zastosowanie do sztuki jako środka zdobywania wiedzy estetycznej. Styl w sztuce odgrywa w przybliżeniu taką samą rolę jak naukowy paradygmat w nauce – organizuje wspólnotę producentów i konsumentów wyrobów artystycznych.

Termin paradygmat naukowy lub po prostu paradygmat, który wprowadził T. Kuhn w książce „Struktura rewolucji naukowych”, oznacza fundamentalną teorię naukową, która może zjednoczyć środowisko naukowe i stać się podstawą metodologii nauki. Od chwili, gdy nauka zyskuje paradygmat, jej wyniki są pomnażane przez armię zgranych badaczy, inżynierów i robotników, poszerza się zakres stosowania teorii, pojawiają się nauki stosowane, a nauka zostaje wprowadzona do praktyki. (Na przykład rozwój paradygmatu Faradaya-Maxwella uczynił elektryczność najważniejszym i integralnym aspektem cywilizacji. W ciągu stulecia technologia elektryczna przeszła ze „słoja Leydena” do ogólnoświatowego systemu telewizji kolorowej, a po kolejnym pół wieku do masowej telefonii komórkowej i „World Wide Web”). Taki charakter rozwoju tkwi w tzw normalna nauka(określenie T. Kuhna). Od chwili, gdy paradygmat wchodzi w konflikt z rzeczywistością, kryzys nauki normalnej, co kończy się rewolucją naukową i zmianą paradygmatu. Oznacza to, że stary paradygmat całkowicie wyczerpał swój potencjał. Okres kryzysu nauki normalnej charakteryzuje się pojawieniem się dużej liczby szybko zastępujących się hipotez i teorii, aż do pojawienia się teorii pełniącej rolę nowego paradygmatu.

W przeciwieństwie do nauki, gdzie paradygmat pełni rolę swego rodzaju imperatywu kategorycznego (nie jest naukowcem, który paradygmatu nie uznaje), sztuka na pierwszy rzut oka jest bardziej tolerancyjna dla odstępstw od stylu, gdyż styl pełni rolę formy reprezentacja indywidualny doświadczenie. Choć jednak artysta może nawet stworzyć swój własny, indywidualny styl, dominujący styl epoki będzie w nim obecny niczym szkielet, do którego przyczepione są mięśnie tworzące formę zewnętrzną. Możesz rozwijać mięśnie na różne sposoby, ale szkielet pozostanie taki sam. Szkielet to osiągnięcia, które utrwaliły się w stylu i są uznawane przez środowisko artystyczne za niewzruszony fundament. Podstawa ta porządkuje wytwory twórczości artystycznej tak sztywno, jak paradygmat w nauce. To nie przypadek okresy kryzysowe Kiedy artyści zmieniają styl, mają poczucie „usuwania się gruntu spod nóg”, ataku na „najświętsze”, „fundament” itp. Zmiana stylu to zmiana światopoglądu. Można postawić tezę, że styl ten wpisuje się w paradygmat artystyczny, nie tak wyraźnie sformalizowany jak naukowy, ale łatwo rozpoznawalny i odczuwalny w określonych formach artystycznych.

Architekt, przedstawiciel styl gotycki, myśli w konstrukcjach szkieletowych z cegły, w przeciwieństwie do myślenia w słupach i belkach, ale sprawa nie sprowadza się tylko do konstruktywnej strony zagadnienia. On jest inny czuje konstrukcji, a jeśli zmusisz go do zbudowania kopuły z litej cegły, będzie cierpiał udrękę psychiczną. Malarz stylu salonowego poczuje się mniej więcej tak samo, jeśli będzie zmuszony malować w stylu Van Gogha, a tym bardziej w stylu Malewicza. Zmiana stylu powoduje zmiany oznaczający treść. Z tego powodu nie możemy jednoznacznie postrzegać dzieł martwych stylów: każde nowe pokolenie widzi w nich inne znaczenie.

Relację pomiędzy stylem a artystą sformułowałbym w formie ogólna zasada: „Każde wsparcie stwarza opór i każdy opór może być wsparciem.” Styl jest oparciem dla artysty i im mocniej na tym wsparciu opiera się, tym większy pojawia się opór wobec ekspresji indywidualności. przeżycie estetyczne. Można to nazwać również „efektem koleiny”: głęboka, dobrze wydeptana koleina pozwala na szybką jazdę, ale nie pozwala na wyjazd. Indywidualność twórcza artysty akademickiego objawia się nie inaczej, jak w tematyce biblijnej, a wszystko, co cenne i świeże, co znajduje się w twórczości pisarza modernistycznego, kryje się w przepełnionych „strumieniach świadomości”. (Mniej więcej taki sam związek formy artystycznej z jej składnikiem materialnym, paragraf 6.2). W związku z tym słynne zdanie: „Zapomnij o wszystkim, czego nauczono Cię w szkole!” ma więcej niż dobre powody, Jeśli o czym mówimy o zmianie paradygmatu. W tym sensie samouk Van Gogh miał znacznie więcej szans niż Bouguereau czy Semiradsky.

W dobie kryzysu paradygmatu starego stylu środowisko artystyczne znajduje się w stanie gorączkowych poszukiwań nowego stylu. Stan ten przypomina chaos, ale to „chaos generuje porządek, nowy porządek” (I. Prigogine). Nowy styl, niczym wiosenna powódź rzeki, zmiata ze swojej drogi wszystkie stare śmieci, wszystko unosi Główny Prąd, wszystko, co mu nie odpowiada, uważa się za marginalne, niepotrzebne, niepiśmienne, nieprofesjonalne lub, jak to się mówi, mówią teraz „niesformatowany”.

Ten „efekt głównego prądu” jest najwyraźniej jednym z przejawów pewnej fundamentalnej właściwości rzeczywistości, działającej na wszystkich poziomach organizacji materii, od nuklearnej po społeczną. Na przykład dźwięk instrumentu muzycznego (dowolnego) zaczyna się od chaosu, od hałasu, w którym miesza się nieskończona liczba czystych tonów. Wtedy zaczyna się wyróżniać jeden ton główny, cała energia dźwięku jest wlewana w ten ton główny lub w tony, które są z nim w harmonii. Podobne efekty powstają podczas generacji lasera, kiedy tworzy się chaos główna moda spójnego promieniowania, w ewolucji organizmów żywych, kiedy kształtuje się gatunek dominujący, w ewolucji wierzeń religijnych, kiedy z wielu nauk w pewnym momencie powstaje jedna „prawdziwa” wiara i przejmuje masy, w organizacja społeczna społeczeństwa, kiedy wszystkie kraje, jeden po drugim, zostaną wciągnięte w główny nurt Głównego Nurtu, który wyznaje najbardziej „prawdziwy” paradygmat liberalno-demokratyczny. Oczywiście wszystkie te procesy zachodzą z bardzo różnymi charakterystycznymi czasami, ale nie zmienia to istoty sprawy.

Styl czyni sztukę formą świadomości społecznej, czyli środkiem gromadzenia i przekazywania wiedzy estetycznej. Transformacja ta jest możliwa dzięki temu, że treść artystyczna staje się środkiem przekazu, czyli nabiera cech język komunikacja. Pojawienie się takich cech jest możliwe jedynie przy wielokrotnym powtarzaniu podobnych form estetycznych, przekształcaniu tych form w wartości(punkt 2.5). Stałość stylu pozostaje niezmieniona oznaczający tych znaczeń, co umożliwia przekazywanie znaczenia estetycznego poprzez struktury znaczeniowe, czyli w istocie poprzez pewną sztukę tekst(punkt 3.2). (Inną kwestią jest to, że istnieje znaczenie estetyczne, którego nie da się przekazać żadnym tekstem, a znaczenie to może być najcenniejszym składnikiem treści estetycznej).

Zdanie przeciętnego człowieka, które tak bardzo irytuje artystów: „Czego on chciał? mowić z twoim zdjęciem?” okazuje się, że nie jest to takie bezsensowne.

Staje się kodem lub alfabetem języka artystycznego archetypy(K.G. Jung) – obrazy, formy, struktury, które każdy podmiot utrwala w procesie opanowywania kultury i włączania w bieżący proces kulturowy. Nie ulega wątpliwości, że archetypy zawierają elementy nieświadomości, jednak ogólnie rzecz biorąc, jako część systemu światopoglądowego, są wynikiem racjonalizacji indywidualnego doświadczenia zmysłowego. O jedności systemu archetypów decyduje stopień zaangażowania każdego członka społeczności w życie kulturalne. Do archetypowych elementów stylu zaliczają się formuły fabularne i kompozycyjne, a także wiele obiektów, zjawisk i typów oznaczających klasy zwane rzeczownikami pospolitymi i mające dość konkretne znaczenie: wilk, zając, niedźwiedź, lis, policjant, policjant drogowy, mafioso, profesor, dobra kobieta, „suka”, piękność, miłośniczka bohatera, bohaterka akcji, kowboj, wiedźma, wampir itp., a także mnóstwo postaci literackich i anegdotycznych, które zyskały sławę status. Wszystkie te elementy ulegają racjonalizacji w świadomości jednostkowej i mają charakter znaczeń obrazowych. W ten sam sposób ogólnie przyjęte formy relacji mają cechy archetypowe, co skutkuje ich więcej głęboka penetracja temat postrzegania znaczenia sztuki narodowej i współczesnej, ich „rodzimych” żartów i w ogóle wszystkiego, co rodzime i narodowe.

Istnienie ogólnie przyjętego języka komunikacji artystycznej pozwala na stworzenie skutecznego systemu szkolenie zawodowe artystów, powstanie wspólnoty konsumentów sztuki i przemiana obiektów sztuki w towary, istnienie instytutu analityków (krytyków, filozofów) sztuki, wreszcie możliwość kolektywnej twórczości i industrialnego podejścia do twórczości dzieł sztuki. Wszystko to bardzo przypomina to, co oznacza ten termin normalna nauka i można oznaczyć terminem normalna sztuka. Mechanizmy i organizacja społeczna nauki i nauki wiedza sensoryczna okazują się niemal identyczne, co jednak nie jest zaskakujące, skoro wiedza jest jedna.

Zarówno edukacja naukowa, jak i artystyczna ma na celu badanie paradygmatów - metodologii otrzymywania odpowiednich produktów. Po kilku latach studiów młody człowiek zamienia się w „naukowca” („artystę”), a nawet krytyka, któremu wolno zagłębić się w duszę artysty, dokonać znaczących uogólnień i przekazać to wszystko jako prawdę . Ci młodzi ludzie mają jednak możliwość „włączenia się w proces” dzięki wykorzystaniu gotowych narzędzi opracowanych przez poprzednie pokolenia i twórców stylu. Potrafią stworzyć przewidywalny „produkt artystyczny”, a co ważne, pracować w zespołach, w ramach tego, co zwykle określa się mianem projekt artystyczny lub po prostu, projekt. Pojawienie się tej koncepcji oznacza triumf przemysłowego podejścia do produkcji przedmiotów artystycznych - jako produkt, obiekt biznesowy. Naturalnie przy takim podejściu indywidualna wola wykonawców okazuje się podporządkowana pewnemu systemowi, powiązanemu na zasadzie informacja zwrotna z efektem końcowym - efektem komercyjnym (tzw. „praca w formacie”). W przeciwieństwie do indywidualnej kreatywności, system przemysłowy musi działać z precyzją i przewidywalnością mechanizmu zegarowego. W końcu przedsiębiorca inwestuje w biznes to, co ma najcenniejszego – pieniądze!

Uprzemysłowienie niektórych rodzajów sztuki przekształciło je w „sztukę dla ludzi”, ponieważ system działa na zasadzie celowej selekcji najlepiej sprzedanych próbek, a następnie konsolidacji wszystkich znalezisk artystycznych o wartości komercyjnej. Wysoka prędkość produkcji zapewnia krótki czas reakcji i znacznie zwiększa intensywność ewolucji form artystycznych, ogromną prędkość rozwoju zasobu tkwiącego w stylu. Jednak istnieje również odwrotna strona medale: system przemysłowy odrzuca wszystko, co „nieformalne”, słabo reaguje na to, co zasadniczo nowe, bo tego nowego nie da się przewidzieć, a w najlepszy scenariusz, wymaga znacznych kosztów materialnych na „promocję”.

Wręcz przeciwnie, komercjalizacja takiej formy sztuki, jak malarstwo, prowadzi do: selekcja negatywna, ze względu na oczywistą sprzeczność: z jednej strony produkt komercyjny musi być jak najbardziej rozpowszechniony, z drugiej strony nie można zapewnić produkcja masowa produkt wysokiej jakości u takiej osoby i sfera intymna. Niewiele talentów rodzi się i zbyt wolno malują obrazy. Ale biznes nie powinien stać w miejscu! Problem rozwiązuje się poprzez zniesławienie kupców poprzez zmowę właścicieli galerii z krytykami: sztucznie wymyśla się przesadne nazwiska, tworząc masę nudy udawanej za arcydzieła. Uzasadnienie estetyczne to podejście jest konwencjonalizm, według którego o jakości dzieła nie decydują obiektywne kryteria, lecz wynik pewnej umowy. Jeśli zgodzimy się uważać coś za piękne, to jest to naprawdę piękne! Albo jeszcze prościej – zgodzimy się na wyłączenie piękna z szeregu kategorii estetycznych i zrównanie w godności estetycznej arcydzieł dawnych mistrzów, Czarnego Kwadratu, toalety i wreszcie ekskrementów samego artysty, jako apoteozy zdobycze estetyczne nowych czasów. Nazwijmy wszystko, co przypomina mimetyzm (naśladownictwo) natury, reliktem przeszłości i uchrońmy biednych artystów przed koniecznością nadymania się i próbowania „sprawić, by coś wyglądało”. Zdecydowanie lepiej jest, gdy do niczego nie przypomina, wtedy nie ma o czym dyskutować i można polegać na opinii profesjonalistów.

Takie podejście całkowicie ignoruje potrzeby estetyczne i opinię kupującego. Za niego myślą „profesjonaliści”: krytyk i właściciel galerii. „Narzucają” mu nie przedmiot przyjemności, ale produkt, którego wartość sami ustalają: głupi przeciętny człowiek nie jest w stanie docenić wielkości arcydzieła, które kupuje! Narusza to jedną z zasad relacji rynkowych, zgodnie z którą cena produktu zależy od jego wartości użytkowej i popytu. Malarstwo, jako indywidualny wyrób „rękodzieła”, nie może wpasować się w system produkcji przemysłowej i relacji rynkowych.

W systemie relacji towarowo-pieniężnych cechy towarów i potencjał„kapitalizacja” produktów artystycznych, a marketing zastępuje modę. Ten nowe podejście do biznesu artystycznego, bazując na doświadczeniach spekulacji giełdowych i pompowania „baniek finansowych”. Zadanie artysty, które wcześniej polegało na doskonaleniu swoich umiejętności przez całe życie, zostało zastąpione znacznie prostszym – umiejętnością dopasowania się do projektu. i pracować według biznesplanu. Artysta stał się jednym ze składników projektu artystycznego, bynajmniej nie najważniejszym. Jego głównym zadaniem jest produktywna praca w zadanym formacie i „trzymanie głowy nisko”. Jakakolwiek działalność amatorska jest zabroniona i karalna. Może wybrać jedną z dwóch rzeczy: albo stworzyć swoje „arcydzieła” w samotności, w całkowitym zapomnieniu, albo pracować w „formacie”, zdobyć sławę i uczciwie zarobiony kawałek tortu. Główną osobą jest teraz kurator (menedżer artystyczny). Określa, co i jak należy pisać, a także jak nie należy pisać w żadnych okolicznościach. W istocie to on jest autorem dzieła, a artysta jest w jego rękach natchnionym instrumentem, a im łatwiej nim sterować, tym lepiej. Zapomnij o wszystkim, czego uczono Cię w szkole i posłuchaj swojego kuratora. Kiedy pieniądze mówią, muzy milczą.

Styl jest racjonalną podstawą formy artystycznej. Rzeczywiście, strukturalne elementy stylu - fabuła, kompozycja, forma relacji, charakter poszczególnych obrazów, cała podstawa archetypowa, a także podstawa ideologiczna, materiał i technologia, można przedstawić w formie racjonalnych formuł. Krytyka artystyczna i estetyka zajmują się tymi zagadnieniami. Wprowadzane przez artystów nowe treści artystyczne ulegają racjonalizacji w procesie rozwoju stylu i stają się własnością wspólną. Twórcze osiągnięcia wielcy mistrzowie stać się racjonalnymi technikami dla swoich zwolenników. Taki proces akumulacji estetyki i przekształcania jej w racjonalność możliwy jest jedynie w ramach jednego systemu artystycznego – stylu.

Racjonalny składnik formy artystycznej, reprezentowany przez styl, jest w istocie rzemiosłem nauczanym w szkołach i warsztatach. Nie bez znaczenia jest w związku z tym podnoszenie kwestii relacji sztuki i rzemiosła, twierdzeń wysokich estetów, że sztuka nie rodzi się z rzemiosła itp.

Wiemy, że racjonalne podstawy każdego działania ostatecznie przekształcają się w uczucie, które integruje wszystkie składniki poznania w pewną jedność. Rzemiosło staje się nierozerwalnie związane z percepcją i uczuciem. Tzw profesjonalne spojrzenie na świat, zawarte w percepcji. Artysta patrzy na świat przez pryzmat swojej profesji, oceniając m.in. możliwość przekazania pewnych zjawisk rzemieślnictwo za pomocą własnej formy artystycznej (malarstwa, fotografii, kina, literatury itp.) Można się spierać, czy sztuka rodzi się z czystego rzemiosła (o ile coś takiego można sobie wyobrazić), ale można śmiało powiedzieć, że nie ma sztuka bez rzemieślnictwo. A główną funkcją talentu jest kierowanie wolą szybkiego i głębokiego opanowania rzemiosła.

Pamiętam słowa jednego ze skrzypków (P. Sarasate): „Mówią mi, że jestem geniuszem, ale nie wiedzą, że ćwiczę dwanaście godzin dziennie”. Ale wtedy pojawia się pytanie: czy „normalny” człowiek ćwiczyłby dwanaście godzin dziennie? Jaka siła go do tego zmusi? Jest taka moc. To siła geniuszu i talentu, zmuszająca osobę do pokonania wszelkich trudności na drodze do celu.

Tak zwany artysta-rzemieślnik to osoba, która nie zna dobrze rzemiosła, gdyż brakuje mu talentu, aby całą swoją wolę skoncentrować na prawdziwie głębokim opanowaniu rzemiosła.

Jest jeszcze inny aspekt tej kwestii. Rzemiosło jest w procesie ciągłego rozwoju. Wczorajsza sztuka to dzisiejsze rzemiosło. Prawdziwy zawodowy rzemieślnik potrafi zracjonalizować osiągnięcia artystyczne i przekuć je w osiągnięcia rzemiosła. Rzemiosło jest nierozerwalnie związane z procesem tworzenia formy artystycznej, tak jak nierozłączne są racjonalne i zmysłowe aspekty poznania.

Indywidualny styl zazwyczaj istnieje w ramach większego stylu i jest wyznacznikiem talentu i dojrzałości twórczej artysty. Wskazuje na obecność rozpoznawalnego indywidualnego stylu wysoka jakość produkt artystyczny, o ustalonej, stabilnej organizacji relacji wewnętrznych w dziele, odzwierciedlającej bogaty i niepowtarzalny wewnętrzny świat artysty.

I na koniec poruszmy jeszcze jedno pytanie dotyczące rozwoju sztuki jako procesu historycznego: jaki jest stopień ciągłości stylów? Czy istnieje w sztuce? zasada korespondencji, charakterystyczne dla nauki?

Zgodnie z zasadą korespondencji, gdy zmieniają się teorie (paradygmaty) nauk przyrodniczych, pomiędzy starą i nową teorią istnieje ciągłość (zgodność). Zgodność tę można wyrazić z matematyczną precyzją. Można na przykład bardzo precyzyjnie wskazać, w jakich przypadkach mechanika klasyczna i mechanika Einsteina czy mechanika kwantowa dają identyczne wyniki, a w jakich i w jakim stopniu się od siebie różnią. Rozumienie w matematyce najbardziej „wyrafinowanych” relacji ilościowych i form przestrzennych w żaden sposób nie wpływało na ważność arytmetyki, algebry i geometrii euklidesowej.

Zmianie stylu artystycznego towarzyszy zmiana światopoglądu, tematyki i technologii. Istnieją jednak przedmioty „wieczne”: człowiek, przyroda, relacje między ludźmi, relacje między człowiekiem a środowiskiem. Jak pokazuje doświadczenie historyczne, ciągłość sztuki związanej z tymi obiektami można prześledzić na przestrzeni tysięcy lat: pomimo radykalna zmianaświatopoglądowym i nieco mniej radykalnych technologii, zachowujemy umiejętność estetycznego postrzegania dzieł minionych epok. Kolejne pytanie dotyczy stopnia ciągłości. Z jednej strony sztuka Starożytna Grecja i Rzym inspirował mistrzów renesansu, z drugiej strony „człowiek z ulicy” przestaje dostrzegać klasykę, jeśli jest ona odległa o ponad sto lat. Ale „człowiek z ulicy” zawsze interesował się sztuką współczesną, która odzwierciedla współczesną rzeczywistość. Niemniej jednak klasyka nadal wywiera wpływ na „Everymana”. Zawarta jest w ukrytej formie we współczesnej sztuce współczesnej, jest sokami, którymi się żywi, a im dalej i szerzej jej korzenie sięgają w głąb wieków i kultur, tym bardziej życiodajne będą soki, które odżywiają współczesna kultura. Klasyka to przede wszystkim sztuka dla artystów.

Estetyka modernizmu głosiła, że wiek XX, który zrewolucjonizował sztukę, położył kres mimetyzm(imitacja) w sztukach wizualnych, przede wszystkim w malarstwie. Przez mimetyzm rozumiemy podobieństwo dzieła sztuki do natury, realizm.

W związku z tym pojawia się szereg pytań. Czy „podobieństwo do natury”, „naśladowanie natury”, „realizm” jest główną treścią estetyczną malarstwa „przedrewolucyjnego”? Jeśli tak nie jest i leży to w czymś innym, w co nikt nie wątpi, to jaki jest sens walki z mimetyzmem? Co w tym złego?

Tak naprawdę walka nie toczy się z mimetyzmem (realizmem, naśladownictwem, naturalnością), ale z podmiotem obrazu – rzeczywistością. Każde malarstwo zajmuje się obrazem lub, jak kto woli, naśladowaniem form. Jedyna różnica polega na tym, że modernizm (awangarda) jako główny temat obrazu wybrał swobodne formy przestrzenne i kolorystyczne i w tym sensie posługuje się tym samym, starym, dobrym naśladownictwem – naśladownictwem kształty geometryczne. Czy abstrakcjonizm i realizm są ze sobą sprzeczne? Nie, bo studiują różne przedmioty. Czy malarstwo Malewicza, przedstawiające ludzi w formie suprematystycznych konstrukcji, zaprzecza realizmowi? Nie, z tego samego powodu. W czym zatem tkwi sprzeczność? Tylko w jednym - w roszczeniach „rewolucjonistów” do statusu nowego stylu, nowego paradygmatu, nowego głównego nurtu, zmywającego wszystkie stare śmieci, realizmu, imitacji, naturalizmu, mimetyzmu i wszystkich innych „izmów” ”.

Dlaczego pozwolę sobie stwierdzić, że awangarda (modernizm) XX wieku nie stworzyła nowego paradygmatu? Sztuka, podobnie jak nauka, jest środkiem wiedzy. Doświadczenie rozwoju nauki pokazuje nam, że nowe paradygmaty w nauce wzniosły się na strukturalnie wyższy poziom wysoki poziom wiedza, w tymłączenie wcześniejszych teorii i łączenie różnych kierunków wiedzy w jedną całość. Zatem teoria molekularna łączyła zjawiska termiczne i mechaniczne, teorię elektromagnetyzmu - elektryczne i magnetyczne, a następnie także zjawiska świetlne itp. Ścieżka nauki jest drogą syntezy. Awangarda poszła tą ścieżką wyjątki poszczególnych aspektów tego, co malarstwo już osiągnęło, ich idealizacji i dalszego rozwoju w oderwaniu od całości, czyli wzdłuż ścieżki wąskiej specjalizacji. Ale jak część może objąć całość? Czy można, przedstawiając swobodne formy, pogłębić wiedzę o człowieku, jego duszy? I czy można, wykluczając główny przedmiot poznania – rzeczywistość, rościć sobie status uniwersalności? Rzeczywistość można poznać estetycznie tylko w formach samej rzeczywistości, człowieka - tylko w formach człowieka. To samo dotyczy nauki: statyka (część mechaniki) nie może rościć sobie prawa do statusu całej mechaniki, a tym bardziej całej fizyki. Na szczęście tego nie robi, ale spokojnie zajmuje się swoimi sprawami. Każdy świerszcz powinien znać swoje gniazdo.

Innym ciekawym przykładem historycznym jest „poezja zawiła” początku XX wieku. Ona, podobnie jak abstrakcjonizm w malarstwie (i nie bez jego wpływu), wyodrębniła elementy dźwiękowe i rytmiczne wiersza w osobną formę, że tak powiem, muzykę wiersza, ekspresję w czysta forma, celowo wykluczając z niego jakiekolwiek racjonalne znaczenie. Takie wersety zostały zapisane literami w formie zestawu bezsensownych słów. Ale litera nie przekazuje dźwięku! Litera jest oznaczeniem fonemu, ale nie samym dźwiękiem. Inne nieracjonalizowane składniki dźwięku – intonacja i barwa – stanowią sensoryczną podstawę dźwięku, a fonemy – jego racjonalną podstawę. Treści zmysłowych nie da się w pełni zracjonalizować. Wiersz po odczytaniu przez artystę słowa nabiera muzyki, ale muzyka ta nie istnieje oddzielnie od wiersza i nie można jej oznaczyć symbolami i zawijasami. Rodzi się muzyka wiersza synteza tekstu i jego artystycznej interpretacji. Można ją też wygenerować czytając pozbawiony sensu tekst, ale w tym przypadku tworzy ją czytelnik, a nie poeta.

Główną właściwością inteligencji poznawczej jest włączenie nowej wiedzy do ogólnego systemu poznania, gdzie ta nowa wiedza, oddziałując ze wszystkimi innymi, wzbogaca je i wzbogaca. Świadomość całości pozwala uwydatnić szczegół . Świadomość, że każde dzieło sztuki posiada cechę formy abstrakcyjnej, niezależnej od tematu obrazu, jest świadomością struktury treści estetycznych sztuki. Wyróżnienie tej cechy jako głównej, decydującej, jej absolutyzacja, zaniedbanie obiektywności jest zawężeniem możliwości, co przy w miarę konsekwentnym prowadzi w ślepy zaułek. Pozbywając się oporu rzeczywistości, sztuka zostaje pozbawiona wsparcia w postaci tej właśnie rzeczywistości, która pozostaje pierwotnym i niewyczerpanym źródłem nowego.

Żyjemy w czasach, w których nowe technologie zmieniają oblicze sztuki (jak pokazało kino i nagrania dźwiękowe), ponieważ potrafią obejmować i jednoczyć różne obszary wiedzy, w tym racjonalne. Kino w ciągu zaledwie stu lat swego powstania przeszło tak wiele etapów swojego rozwoju, że postrzegane jest jako sztuka o wielowiekowej historii. Sztuka nabrała potężnego przyspieszenia dzięki połączeniu z nauką. Teraz przyszła kolej na masowe technologie informacyjne, powstaje nowy wirtualny interaktywny świat, a na scenie pojawia się Jej Królewska Mość Gra. Nie ma tu już czasu na żarty. Czy będzie mógł ludzka psychika przejść ten test? Czy wirtualny świat zmieni się ze środka wiedzy w swój cel?

(Ciąg dalszy)

Miasta i regiony 21.02.2019

Ława przysięgłych skazała zabójcę

Proces jury Region Amuru rozpatrzył sprawę karną, w której zarzucono mieszkańcowi Zeyi morderstwo funkcjonariusza policji Tarasa Sokolyuka w maju 2016 r. Sprawa została rozpoznana na podstawie skargi skazanego, który nie zgodził się z wydanym wcześniej wyrokiem.

W rezultacie ława przysięgłych skazał oskarżonego o morderstwo na osiemnaście i pół roku więzienia w kolonii o zaostrzonym rygorze. Wyrok nie wszedł jeszcze w życie.

Fałszerze zatrzymani

W punkty sprzedaży detalicznej W rejonie Skoworodinskim znaleziono trzy banknoty o wartości pięciu tysięcy rubli ze śladami fałszerstwa. Podejrzenie o fałszerstwo padło na dwóch mieszkańców miasta Zeya.

Według otrzymanych informacji podejrzani zostali zatrzymani przez funkcjonariuszy Zeyskiego Ministerstwa Spraw Wewnętrznych Rosji w miejscu zamieszkania w mieście Zeya. Zatrzymani zostali zatrzymani. Trwa weryfikacja ich udziału w podobnych przestępstwach popełnionych w regionie Amur.

Wypróbuj to sam

Po raz trzeci w regionie amurskim odbędzie się ogólnorosyjskie wydarzenie, podczas którego rodzice absolwentów będą mogli zamienić się miejscami ze swoimi dziećmi i przejść całą procedurę Jednolitego Egzaminu Państwowego: od ramki wykrywacza metalu po odbiór wyniki. Jedyny dzień zdania Unified State Exam w mieście Zee odbędzie się 24 lutego w Liceum.

Oprócz rodziców jedenastoklasistów możliwość przystąpienia do egzaminu mają także urzędnicy, osoby publiczne i twórcze.

Kwarantanna zniesiona

We wszystkich okręgach regionu Amur zniesiono kwarantannę przeciwko wściekliźnie. Dekret został niedawno podpisany przez gubernatora Wasilija Orłowa.

Według kierownika wydziału weterynarii i hodowli zwierząt obwodu amurskiego Siergieja Samochwałowa w ogniskach, w których wcześniej rejestrowano przypadki choroby, podjęto wszelkie niezbędne środki. W tym roku nie zidentyfikowano żadnego pacjenta.

Przypomnijmy, że wściekliznę odnotowano w czterech okręgach obwodu amurskiego: Michajłowskim, Zawityńskim, Oktiabrskim i Konstantynowskim. W trzech ostatnich kwarantanna objęła lasy, ponieważ wirus wykryto u lisów i jenotów. Wirus nie dotarł do dystryktu Zeya.

Wszystkie zwierzęta domowe w regionach południowych i centralnych zostały poddane powszechnym szczepieniom przeciwko wściekliźnie. Generalnie, jak podała służba prasowa rządu obwodu amurskiego, sytuację w regionie ocenia się jako korzystną.

Szpital Oktyabrskaya ma własną wodę

W Oktyabrsky specjaliści z Amurskiego Terytorialnego Instytutu Badań Budowlanych (AmurTISIS) wykonali studnię specjalnie na potrzeby szpitala. Teraz szpital będzie miał własną wodę.

Początkowo nikt nie wierzył w powodzenie tego wydarzenia. Uważano, że we wsi nie ma wody i nie wiercono wcześniej studni. Wodę do wsi doprowadzano ze źródła znajdującego się pod Oktyabrskim.

W trakcie wiercenia, nie osiągając poziomu 30 metrów, wiertło się zepsuło, pracownicy AmurTISIZ musieli wrócić do Błagowieszczeńska, aby naprawić sprzęt i następnie wznowić pracę. W rezultacie skała została przewiercona na głębokość 35 metrów.

Oczywiście nasza własna studnia rozwiąże jednocześnie kilka problemów szpitala Oktyabrskaya.

Na portalu dv2025.rf rozpoczęło się głosowanie na proponowane działania na rzecz rozwoju Dalekiego Wschodu (FE). Ministerstwo Rozwoju Wschodniego uważa, że dzięki temu możliwa będzie ocena zasadności działań, jakie powinien przewidzieć Narodowy Program Rozwoju Dalekiego Wschodu do 2025 roku. Będzie gotowy już 1 września.

Do 20 lutego w serwisie zarejestrowało się około 63 tys. użytkowników, którzy złożyli prawie 15 tys. propozycji, z czego 636 dotyczyło regionu amurskiego.

Przypominamy, że od 15 stycznia do godz
15 lutego burmistrz miasta Zeya Siergiej Gibadullin spotkał się z ludnością, przeprowadzono ankietę, podczas której pracownicy organizacji przedstawili swoje propozycje dotyczące rozwoju nie tylko naszego miasta, ale także całego Dalekiego Wschodu.

Sześciolatki zdały egzamin

Dzieci w wieku przedszkolnym ponownie przeszły testy w Ogólnorosyjskim kompleksie wychowania fizycznego i sportu „Gotowi do pracy i obrony” w przedszkolu nr 14. Sześcioletni uczniowie grup przygotowawczych przeszli standardy pompek, skoków w dal z miejsca, a także sprawdzili się w ćwiczeniach elastyczności, brzucha i rzucania piłką do celu. Jak poinformował wydział oświaty administracji miasta Zeya, według wstępnych danych troje dzieci zdało egzamin na złote odznaki, dziesięcioro na srebro, a jedno dziecko zdobyło brąz.

Kolejny etap odbędzie się wiosną. Chłopcy i dziewczęta będą musieli pokonać dwa obowiązkowe standardy: bieg na kilometr i bieg na 30 metrów. Dopiero po tych testach dzieci mogą otrzymać odznaki.

« Mój sportowa mama»

Na terenie kompleksu wychowania fizycznego i zdrowia w Zeya odbyła się impreza sportowa „Moja sportowa mama”. Konkurs zorganizowany został w ramach ogólnorosyjskiej kampanii „Patrol Ojca. Jesteśmy GOTOWE.”

W zawodach brały udział członkinie żeńskiej drużyny koszykówki oraz ich dzieci. Matki-sportowcy wraz z córkami i synami wykonywały ćwiczenia brzucha, pompki, skakały oraz sprawdzały swoją szybkość i dokładność. Na koniec wszyscy uczestnicy otrzymali certyfikaty.

(Według korespondenta „ZVS”).

Wiadomości z regionu Amur

W przesłaniu Prezydenta znalazło się kilka ważnych projektów gospodarczych dla regionu amurskiego.

Wasilij Orłow tak skomentował wystąpienie Władimira Putina: „Przemówienie Prezydenta było poświęcone tematom bardzo ważnym dla Dalekiego Wschodu. Wiele z nich poświęcono zagadnieniom demografii, wspieraniu grup ludności o niskich dochodach i ograniczaniu biedy kluczowe kwestie.
Duży zestaw Działania finansowane są z budżetu federalnego. Naszym zadaniem jest terminowe dostosowanie ustawodawstwa regionalnego, aby wszystkie te inicjatywy mogły zostać wcielone w życie.”
Spośród projektów gospodarczych szef regionu jako szczególnie ważne dla regionu Amur wymienił podwojenie przepustowości BAM i Transibu oraz potrzebę szerszego wykorzystania gazowego paliwa silnikowego. „Biorąc pod uwagę nasze projekty gazowe dla naszego regionu, otwiera to nowe możliwości wykorzystania takiej technologii” – wyjaśnił gubernator obwodu amurskiego.

Dużą wagę przywiązuje się do rozwoju edukacji, zapewniając przemysłowi wyszkoloną, nowoczesną kadrę produkcyjną.
Prezydent mówił o potrzebie utworzenia sieci dziecięcych parków technologicznych Quantoriums, a także rozwoju filii centrum edukacyjnego dla dzieci Sirius. „W naszym regionie działamy w obie strony. Pod koniec 2018 roku otwarto Quantorium w Błagowieszczeńsku. W 2019 roku otworzymy Quantorium w Swobodnym. Na bazie obozu zdrowia dla dzieci Kołosok utworzymy filię centrum dziecięce Soczi „Syriusz”. Umowa została podpisana na forum inwestycyjnym w Soczi.”

Dwa razy więcej planuje się wydać na przygotowania do nadchodzącego sezonu grzewczego w regionie amurskim

Planują przeznaczyć około 200 milionów rubli na prace remontowe obiektów mieszkaniowych i usług komunalnych. Propozycję tę złożył szef regionalnego Ministerstwa Mieszkalnictwa i Usług Komunalnych regionu Siergiej Gordeev na posiedzeniu rządu regionalnego.

„Od początku sezonu grzewczego zarejestrowano 57 naruszeń w funkcjonowaniu obiektów infrastruktury komunalnej, bardzo na sieciach ciepłowniczych – 19 przypadków i sieciach wodociągowych – 23 przypadki. Zasadnicza część naruszeń wynika z niszczenia sieci i sprzętu” – powiedział minister.

Ministerstwo Mieszkalnictwa i Gospodarki Komunalnej rozpoczęło już prace nad skonsolidowanym planem napraw na lata 2019-2020. Zdaniem ministra zostanie on przygotowany do 1 maja na podstawie wyników okresu grzewczego. Przy jego tworzeniu uwzględnione zostaną nie tylko awarie technologiczne, które miały miejsce zimą 2018-2919 r., ale także uwagi prokuratorów.

Pierwsza wiceprzewodnicząca rządu Tatiana Połowaikina poleciła wypracować opcję utworzenia rejestru robót do marca, aby przyspieszyć prace nad przygotowaniem kotłowni i sieci.

Okres zagrożenia pożarowego w regionie Amur w 2019 roku może rozpocząć się wcześniej niż zwykle

Na kolejnym posiedzeniu Rządu Obwodu Amurskiego rozważono kwestię organizacji przygotowania osiedli na okres wiosennych pożarów w 2019 r.

Minister Leśnictwa i Bezpieczeństwa Pożarowego regionu Aleksiej Wenglinski zwrócił uwagę na szereg rekordów pogodowych i wyjątkowo ciepły koniec zimy. W związku z tym okres zagrożenia pożarowego w regionie może rozpocząć się już w dniach 20-25 marca. Ze względu na niewielką ilość śniegu w zimie i niedostateczne nawilżenie gleby, wyżarzania zapobiegawczego nie przewiduje się. Główny nacisk należy położyć na oczyszczenie obszarów niebezpiecznych metodą bezogniową. Ze względu na napięte terminy prace nad przygotowaniem rozliczeń muszą zakończyć się nie później niż 20 marca.

Aleksiej Venglinsky zauważył, że władze samorząd lokalny Opracowano plany ochrony przeciwpożarowej dla terenów gmin jako całości oraz szczegółowe mapy i schematy prowadzenia działań zapobiegawczych na obszarach zaludnionych.

„Dokumenty te określały miejsca tworzenia ochronnych przegród przeciwpożarowych, wyżarzania suchej roślinności i sprzątania terenu. Odnotowano obszary nie oczyszczone z suchej roślinności. Większość działań gaśniczych przeprowadzono jesienią 2018 roku. Planowane jest oczyszczenie 12 447 „miejsc niebezpiecznych”. Do tej pory prace wykonano w 9307 lokalizacjach, co stanowi 74,8% wszystkich zaplanowanych działań” – powiedział Alexey Venglinsky.

Prace nad przygotowaniem osiedli w Tyndzie (100%), Biełogorsku (94%), Swobodnym (92%), Błagowieszczeńsku (91%), Raichikhinsku (91%), obwodzie sieryszewskim (92%) dobiegają końca.

W województwie w 517 miejscowościach utworzono 550 ochotniczych straży pożarnych, w których żyje łącznie 2288 osób, w tym 157 ochotniczych straży pożarnych i 393 ochotniczych straży pożarnych.

Również w 2019 roku do gaszenia pożarów i ochrony przed nimi obszarów zaludnionych szkolonych jest 46 zespołów szybkiego reagowania, utworzonych na bazie jednostek straży pożarnej i służb poszukiwawczo-ratowniczych województwa, liczących łącznie 230 osób.

„Rzeczywiście tegoroczna pogoda koryguje nasze plany. Dlatego przywódcy miast i regionów regionu amurskiego nie powinni odkładać prac nad przygotowaniami do sezonu pożarowego, ale rozpocząć je już teraz. Im szybciej zabezpieczymy gminy i ich mieszkańców, tym lepiej. Przecież tegoroczny sezon może rozpocząć się znacznie wcześniej niż zwykle” – podkreślił Wasilij Orłow, gubernator obwodu amurskiego.

(Według doniesień ze strony internetowej www.amurobl.ru).